+ de 2500 tableaux disponibles! Livraison offerte dans toute la France
Artistes expressionnistes abstraits – Nos meilleurs peintres expressionnistes abstraits

Artistes expressionnistes abstraits – Nos meilleurs peintres expressionnistes abstraits

de lecture - mots

Connu comme un mouvement artistique de l'après-guerre, l'expressionnisme abstrait a été le premier genre de peinture exclusivement américain à atteindre une influence mondiale. Formés dans les années 1940 à New York, les artistes de l'expressionnisme abstrait ont contribué à faire de cette ville le nouveau centre occidental du monde de l'art, qui a effectivement remplacé Paris. En raison de ce changement spectaculaire de lieu, de nombreux artistes ont commencé à expérimenter les peintures expressionnistes abstraites, ce qui a conduit à un afflux de peintures produites pendant ce mouvement.

Qu'est-ce que le mouvement artistique de l'expressionnisme abstrait ?
Se développant dans les années 1940 et 1950 à New York, l'expressionnisme abstrait encourageait les artistes à se concentrer sur la visualisation de leurs pensées subconscientes. Toutefois, le terme a été utilisé pour la première fois en Allemagne en 1919 pour décrire les œuvres d'art appartenant au mouvement expressionniste allemand.

L'expressionnisme abstrait n'a été introduit en Amérique qu'en 1929, lorsqu'Albert Barr, alors directeur du Museum of Modern Arts, a tenté d'expliquer les peintures de Wassily Kandinsky.

Après la fin de la guerre, l'instabilité politique qui s'est manifestée en Europe dans les années 30 a conduit plusieurs artistes surréalistes importants à s'installer à New York. Leur arrivée en Amérique a fortement influencé de nombreux artistes, car les surréalistes ont introduit une nouvelle façon de penser à travers leurs représentations de l'inconscient dans leurs œuvres. Cela a conduit à un intérêt accru pour le mythe et les symboles archétypaux, et ces concepts ont façonné la conception qu'ont les artistes américains de la peinture en tant que combat entre l'individualisme et le tourment de l'inconscient.

L'émergence de l'expressionnisme abstrait a été provoquée par un groupe d'artistes influents à l'époque où l'Amérique connaissait des difficultés financières après la dévastation causée par la Seconde Guerre mondiale. Les artistes de l'expressionnisme abstrait ont vu dans ce sentiment d'isolement culturel une occasion d'introduire le premier véritable genre artistique américain d'avant-garde. Ce faisant, les artistes ont canalisé et défendu l'esprit et la liberté américains en créant des œuvres audacieuses, courageuses, pleines d'émotion et de passion.

La plupart des artistes de l'expressionnisme abstrait ont rapidement été touchés par les opinions politiques de gauche de l'époque et ont commencé à apprécier l'art basé sur l'expérience personnelle.

Les œuvres produites au cours de ce mouvement ont été célébrées pour leur esprit incontestablement américain, par leur échelle immense, leur ambiance sentimentale et l'expression d'une forte liberté individuelle. Au fur et à mesure de la progression du mouvement, peu d'artistes ont conservé leurs opinions politiques extrêmes, mais ont continué à adopter l'attitude des artistes non conventionnels qui ont fait avancer l'expressionnisme abstrait.

Bien que le mouvement ait été dépeint tout au long de l'histoire comme fortement dominé par les hommes, plusieurs artistes féminines incroyablement importantes ont émergé à New York et à San Francisco pendant son apogée. Bien qu'elles n'aient reçu que récemment la reconnaissance qu'elles méritaient depuis longtemps, ces artistes féminines ont été reconnues comme des membres à part entière du mouvement.

Caractéristiques du mouvement de l'expressionnisme abstrait
Le terme "expressionnisme abstrait" n'a jamais été considéré comme une étiquette parfaite pour décrire précisément ce mouvement artistique. En effet, ce nom était censé inclure les œuvres des peintres qui remplissaient leurs toiles de zones de couleur et de formes abstraites, ainsi que celles de ceux qui les bombardaient d'une forme puissante d'expressionnisme gestuel.

Malgré cela, l'expressionnisme abstrait est devenu le terme le plus populaire pour ce groupe d'artistes qui avaient manifestement beaucoup en commun.

L'expressionnisme abstrait se caractérise par le grand dévouement à l'expression personnelle que les artistes communiquent dans leurs peintures. Les émotions pouvaient être évoquées par des traits et des marques gestuels, spontanés et colorés par nature. Ces techniques expérimentales ont conduit les artistes de l'expressionnisme abstrait au développement de l'action painting et de la color field painting, car de grandes surfaces de couleurs vives et pures étaient habituellement utilisées.

Les méthodes de l'action painting et du color field painting étaient deux caractéristiques distinctes utilisées par les artistes pratiquant au sein du mouvement de l'expressionnisme abstrait. L'action painting était généralement réalisée par des coups de pinceau impulsifs et gestuels, tandis que le color field painting était réalisé par des artistes qui travaillaient avec une vaste surface composée d'une seule couleur. Si l'une ou l'autre de ces méthodes était utilisée, certains artistes allaient jusqu'à faire couler sporadiquement des couleurs sur une toile et considéraient l'œuvre terminée comme un art digne d'être inclus dans l'expressionnisme abstrait.

Formé par l'héritage du surréalisme, l'expressionnisme abstrait est né d'une émotion intense et de questions universelles.

Ce mouvement a donné naissance à un nouveau style qui correspondait à l'atmosphère de peur, d'appréhension et de traumatisme qui régnait dans l'Amérique de l'après-guerre, dans les années 1940 et 1950. À une époque de censure artistique, l'expressionnisme abstrait est devenu populaire grâce à sa forme abstraite. En effet, ces peintures étaient soit considérées comme apolitiques et donc sans danger à cette époque, soit comme un message politique réservé aux seuls initiés.

Nos principaux artistes expressionnistes abstraits
Aujourd'hui, de nombreux artistes contemporains explorent encore les techniques et les compétences associées à la première génération de l'expressionnisme abstrait. Les artistes qui ont formé le mouvement ont réellement intégré cette idée esthétique inhabituelle dans la société artistique, ce qui a encouragé d'autres personnes à l'expérimenter plus d'un demi-siècle plus tard. C'est pourquoi plusieurs artistes éminents ont travaillé au sein de ce mouvement et ont produit des œuvres d'art emblématiques. Bien qu'aucune liste ne soit jamais vraiment adéquate, nous vous présentons ci-dessous nos 12 meilleurs artistes de l'expressionnisme abstrait.

L'artiste russe Wassily Kandinsky est peut-être l'un des artistes les plus connus de l'histoire et est souvent considéré comme l'un des premiers expressionnistes abstraits à avoir vu le jour. En tant que pionnier de ce mouvement moderne, Kandinsky a joué avec le lien expressif entre la couleur et la forme.

Il a ainsi pu produire une expérience esthétique faisant appel aux sens de la vue et du son, ainsi qu'aux émotions du public.

Bien que Kandinsky ait une compréhension élevée de la manière dont l'art peut être manipulé, il n'a commencé à peindre qu'à l'âge de 30 ans. Avant cela, il était professeur d'université et étudiait le droit et l'économie. Après avoir commencé à dessiner, il pensait que l'art devait être séparé des réflexions et opinions de chacun sur le monde extérieur. Kandinsky a travaillé à détacher la couleur de toute référence externe dans ses peintures. En abstrayant les objets et les thèmes au-delà du point de reconnaissance, il était capable d'offrir une expression profonde et mystique de quelque chose.

Motivé par la création d'un art qui exprime un sens global de la spiritualité, Kandinsky a inventé un type de langage pictural qui n'avait qu'une vague corrélation avec le monde extérieur. Ce faisant, ses œuvres en disent long sur son expérience intérieure. Ses peintures qui imitent la musique en sont un exemple, car il considérait la chanson comme l'une des formes les plus exceptionnelles d'art non objectif ayant jamais existé.

En incarnant les techniques de la musique, Kandinsky était capable de produire des peintures qui impliquaient des sons et des émotions à travers une harmonie de sentiments.

La carrière de Kandinsky s'est étalée sur de nombreuses années et ses œuvres et ses idées ont inspiré plusieurs générations d'artistes. Depuis ses étudiants au Bauhaus jusqu'aux artistes de l'expressionnisme abstrait qui ont émergé après la Seconde Guerre mondiale, plusieurs personnes ont ressenti un lien profond avec la spiritualité qu'il était capable de transmettre dans ses œuvres abstraites. En tant que professeur et artiste, Kandinsky se considérait comme un visionnaire dont la mission était de partager ses idées avec le monde de l'art pour le développement et l'amélioration de la société.

L'artiste ukrainienne emblématique Janet Sobel a commencé sa carrière de peintre expressionniste abstrait à l'âge de 45 ans. Malgré sa carrière quelque peu brève, le type de peintures qu'elle a produites a eu une influence considérable, puisqu'on lui attribue l'invention de la technique de la "peinture au goutte à goutte" qui a inspiré son collègue Jackson Pollock. En outre, Sobel a eu un impact considérable sur le critique d'art Clement Greenberg, qui a décrit ses œuvres comme les premières peintures "all-over" qu'il ait jamais vues.

Son statut de femme peintre au début du XXe siècle a fait que son talent et ses œuvres ont été largement ignorés tout au long de sa vie.

Ses peintures n'ont été reconnues par Pollock et Greenberg que lorsqu'elles ont été exposées par Peggy Guggenheim à la galerie Art of This Century, à New York, en 1944. Après avoir vu ses œuvres, Pollock a déclaré qu'il était tellement intrigué par les curieuses techniques d'éclaboussures que Sobel démontrait qu'il les a essayées pour lui-même, ce qui lui a permis de devenir un artiste très célèbre.

Sa carrière s'est avérée assez controversée, car les artistes féminines créant des œuvres d'art aussi importantes étaient encore assez inhabituelles à l'époque. Malgré son statut croissant, Sobel était avant tout considérée comme une femme au foyer, même après avoir commencé à exercer sa profession. Greenberg a déclaré que si elle pouvait facilement être considérée comme un précurseur de l'impressionnisme abstrait, ses peintures ne méritaient pas le même crédit que celui accordé aux autres artistes expressionnistes abstraits.

Cette notion a été continuellement soulignée par les critiques comparant ses peintures au goutte-à-goutte à celles de Pollock, les œuvres de Sobel apparaissant comme plus primitives et plus grossières par nature. Pour cette raison, la majorité de ses peintures ont été négligées tout au long de sa carrière, ce qui a conduit à la laisser en dehors du discours historique de l'art.

Cependant, avec le temps, les peintures de Sobel ont lentement commencé à être considérées sous un jour plus professionnel, démontrant son statut d'artiste unique et autodidacte à part entière.

Un autre peintre expressionniste abstrait méconnu est l'artiste américain Bradley Walker Tomlin, qui a pratiqué pendant la première génération de l'expressionnisme abstrait. Tomlin faisait également partie du groupe d'artistes expressionnistes abstraits de l'école de New York et a produit des peintures qui contenaient un ton endeuillé de l'art abstrait de l'après-guerre. Tout au long de sa carrière d'artiste, Tomlin a occupé divers postes d'enseignant, le plus important étant celui qu'il a occupé au Sarah Lawrence College de 1932 à 1941.

En mélangeant des techniques de peinture d'action significatives avec son objectif structuré de perfection, les œuvres de Tomlin étaient connues pour leur superbe originalité et leur grande intensité de sentiments.

Au début de sa carrière, Tomlin expérimente des natures mortes d'inspiration cubiste jusqu'à ce qu'il soit fortement inspiré par les œuvres de son collègue expressionniste abstrait Adolph Gottlieb au milieu des années 1940. Son style artistique s'oriente soudainement et brièvement vers la méthode de peinture semi-automatique, qui représente le mieux l'intérêt que Tomlin porte alors à la calligraphie japonaise.

Cependant, cette digression stylistique a été incroyablement brève, car la majorité des peintures de Tomlin qui sont aujourd'hui bien connues présentent des formes typographiques qui semblent flotter sur une toile contrôlée. Ce style emblématique de Tomlin a révélé son intérêt pour un type de liberté esthétiquement plaisant mais toujours contrôlé, que l'on retrouve dans toutes ses œuvres ultérieures.

Malheureusement, la carrière de Tomlin a été très brève puisqu'il a été victime d'une crise cardiaque à l'âge de 53 ans, après être rentré d'une fête chez Jackson Pollock. Au fil du temps, son exclusion de l'expressionnisme abstrait a lentement commencé à être corrigée. Cela s'est notamment traduit par une exposition rétrospective solo des œuvres de toute sa vie, organisée en 2016 au Samuel Dorsky Museum of Art de New York.

L'un des artistes expressionnistes les plus remarquables serait le peintre américain Mark Rothko, qui était surtout connu pour ses peintures en champ de couleur au cours de sa carrière. Avant de trouver sa signature au début des années 1950, Rothko a expérimenté une variété de styles artistiques.

Rothko était également considéré comme une figure de proue de l'école de New York, ses premières peintures démontrant sa capacité à mélanger harmonieusement expressionnisme et surréalisme dans ses œuvres.

Le style artistique de Rothko était très différent de celui de ses collègues expressionnistes abstraits, car il s'efforçait de diffuser la peinture sur ses toiles au lieu d'utiliser les coups de pinceau gestuels caractéristiques du mouvement. C'est ainsi qu'ont été créées ses emblématiques peintures de champs colorés, constituées de grandes formes de couleurs pures et inaltérées sur un fond très contrasté. L'objectif de ces carrés et formes aux couleurs quelque peu floues était d'évoquer une variété d'émotions et de plonger les spectateurs dans une atmosphère puissante et sensorielle.

Le titre de la majorité des peintures de Rothko illustre son influence sur l'expressionnisme abstrait. Comme chacune de ses peintures était intitulée par des variations de couleurs différentes, leurs noms représentaient finalement les abstractions chromatiques que Rothko tentait de créer. Selon le style de Rothko, la couleur est l'outil le plus puissant pour communiquer des émotions et des sentiments.

Ainsi, ses blocs de couleur étaient destinés à favoriser une relation avec le public afin de lui offrir un espace de contemplation de l'œuvre.

Tout au long de sa carrière, Rothko a privilégié l'expression directe de pensées complexes par le biais de blocs de couleur. Rothko a conservé la liberté artistique présente dans ses œuvres et, bien que ses idées se heurtent à l'establishment artistique traditionnel, sa réputation d'artiste influent s'est développée. Estimant parfois que le marché de l'art était trop critique, Rothko refusait fréquemment de vendre et d'exposer ses œuvres. Malheureusement, Rothko s'est suicidé en 1970 et ce n'est qu'après cette date que la valeur de ses œuvres a commencé à augmenter régulièrement.

L'artiste arménien Arshile Gorky, né Vostanik Manoug Adoian, était un peintre expressionniste abstrait incroyablement remarquable, dont les œuvres ont démontré son influence et sa passion pour le mouvement. Grâce à ses efforts persistants pour enseigner au public la notion d'abstraction, Gorky a été considéré comme le principal défenseur de l'expérimentation esthétique.

Avec ses collègues Jackson Pollock, Willem de Kooning et Mark Rothko, Gorki a été salué comme l'un des peintres américains les plus importants du XXe siècle.

L'œuvre diversifiée de Gorki s'est avérée cruciale pour l'émergence de l'expressionnisme abstrait. Après avoir expérimenté le cubisme et le surréalisme, les peintures de Gorki ont démontré l'influence cruciale du génocide arménien sur son développement en tant qu'artiste. La souffrance et la perte sont devenues les thèmes principaux de la majorité de ses tableaux expressionnistes abstraits, car il a dépeint son propre traumatisme en tant que survivant du génocide.

En outre, Gorki a dépeint ses souvenirs de la beauté associée à son enfance en Arménie, en utilisant ses peintures comme un moyen de commencer à résoudre sa vie essentiellement tragique. Pour ce faire, il convertissait sur ses toiles des personnes et des objets réels ou évoqués dans des environnements nouvellement abstraits et composés. Ses peintures se sont avérées importantes d'un point de vue historique, car elles ont permis d'établir un lien très significatif entre les styles d'art moderne d'avant-guerre en Europe et le début de l'expressionnisme abstrait aux États-Unis dans les années 1940.

En donnant à ses œuvres des titres qui font directement référence à des objets et des lieux spécifiques, Gorki a pu combiner réalité objective et sentiments subjectifs dans ses peintures. L'expérimentation de Gorki avec l'expressionnisme abstrait et l'accent mis sur les couleurs et le contenu personnel l'ont amené à libérer davantage les formes et les objets dans ses peintures.

Cela a finalement démontré que l'on pouvait trouver de la beauté dans les expériences les plus tragiques, car les peintures vivantes et vibrantes de Gorki sont devenues des caractéristiques essentielles de l'expressionnisme abstrait américain.

Bien qu'il ne soit pas aussi connu que ses collègues expressionnistes, le peintre américain Clyfford Still a apporté une contribution importante au mouvement artistique. Still est reconnu pour avoir jeté les bases de l'expressionnisme abstrait et pour avoir été le premier artiste à produire formellement une œuvre abstraite sans sujet évident.

En développant une approche nouvelle et puissante de la peinture après la Seconde Guerre mondiale, Still est largement considéré comme le peintre le plus talentueux issu du groupe de l'expressionnisme abstrait.

Au début des années 1940, Still pratique la peinture figurative et évoque des scènes lugubres aux couleurs sombres dans la majorité de ses œuvres à cette époque. Cependant, au milieu des années 1940, il est entré dans sa période de maturité et a commencé à expérimenter des traits et des formes aux couleurs vives sur toutes ses toiles. Cette période marque le passage de Still à l'expressionnisme abstrait et à la peinture Color Field, car il juxtapose différentes couleurs et formations, ce qui deviendra sa signature.

Dans les peintures Color Field de Still, les thèmes de l'énergie et de la moralité sont exprimés. Ces vastes champs de couleurs vives étaient souvent comparés à des grottes et à de vastes crevasses momentanément éclairées par la lumière, car ils semblaient déchiquetés et brisés sur les toiles. Ses tableaux de la maturité démontrent, à très grande échelle, les conflits frappants qui se produisent entre l'homme et la nature, cette lutte devenant un thème commun à la majorité de ses œuvres.

Still était considéré comme une personne controversée au sein de la communauté artistique, ce qui a entraîné une baisse de sa réputation et une hausse de la popularité de ses œuvres.

En effet, il a complètement évité la scène artistique new-yorkaise et a déployé des efforts inhabituels pour contrôler la vente, la collection et l'exposition de ses tableaux. À sa mort, près de 95 % de ses œuvres étaient en sa possession et n'avaient jamais été exposées. En 2011, le Clyfford Still Museum a été construit dans le Colorado pour exposer ses quelque 3 000 œuvres, pour la plupart jamais exposées auparavant.

Le peintre américano-néerlandais Willem de Kooning est peut-être l'un des artistes expressionnistes abstraits les plus connus du mouvement. Outre l'influence considérable de ses œuvres sur l'expressionnisme abstrait, Willem de Kooning s'est engagé socialement et intellectuellement auprès de nombre de ses collègues artistes. En utilisant de larges coups de pinceau et des couleurs claires, de Kooning est considéré comme l'un des plus importants "peintres d'action" du mouvement, car il recherchait une véritable authenticité dans toutes les œuvres qu'il créait.

Célèbre pour son style énergique et gestuel, la peinture de de Kooning se caractérise par les techniques célébrées par les artistes expressionnistes abstraits.

Ce qui distingue son travail de celui de ses contemporains, c'est que de Kooning n'a jamais complètement abandonné la représentation de la forme humaine. Il alterne ainsi entre l'art abstrait et l'art figuratif, et fusionne dans ses œuvres des éléments clés du cubisme, du surréalisme et de l'expressionnisme. Après avoir formé son style distinct, de Kooning a continué à peindre principalement des figures féminines jusqu'à la fin de sa carrière.

Refusant de faire toute distinction entre les catégories artistiques dans ses tableaux, de Kooning insistait sur le fait que le véritable sujet se trouvait entre les fonds et les figures. L'incessant voyage de De Kooning à la recherche de formes et de sujets modernes a rendu sa production artistique plus diversifiée que celle de la plupart de ses collègues de l'époque. Il était également connu pour retravailler ses toiles et les laisser avec un sentiment d'inachèvement vivant, ce qui donnait à ses peintures l'impression qu'elles étaient en train de créer leur propre définition et signification.

Les œuvres de De Kooning incarnent pleinement la définition de l'Action Painting, car son travail est en fait constitué de la rencontre entre lui-même et ses matériaux.

Après avoir appliqué de la peinture sur une toile, de Kooning enlevait, ajoutait et grattait délibérément la peinture jusqu'à ce qu'il découvre l'image qu'il voulait. Ainsi, ses peintures représentent une véritable excavation de son esprit au moment de la création. En 1987, la maladie d'Alzheimer a été diagnostiquée chez de Kooning, ce qui a eu pour effet d'augmenter sa productivité vers la fin de sa carrière.

L'une des rares femmes artistes à avoir travaillé dans un monde de l'art dominé par les hommes est Lee Krasner, qui est ensuite devenue une peintre expressionniste abstraite importante à part entière. Considérée comme une figure intermédiaire essentielle de l'abstraction, Krasner s'est inspirée de la "grille" emblématique de Piet Mondrian et a fait le lien entre l'art du début du XXe siècle et les nouvelles idées qui circulaient dans l'Amérique de l'après-guerre.

En outre, Krasner a contribué à la mise au point de la technique de peinture "all-over", qui a influencé les fameuses peintures au goutte-à-goutte de Jackson Pollock.

Krasner était un peintre incroyablement ambitieux et a participé directement à la fusion de la forme abstraite et du contenu psychologique, qui a marqué le début de l'expressionnisme abstrait en Amérique. Sa remarquable polyvalence et son talent, ainsi que son intense formation à la théorie de l'art et aux techniques apprises, ont permis à Krasner de réviser continuellement son style tout au long de sa carrière. Elle a ainsi pu prendre ses distances par rapport aux œuvres rigides des autres artistes expressionnistes, tout en s'efforçant de s'exprimer plus pleinement et plus librement.

Considérée comme une voix de l'avant-garde, Krasner privilégie l'individualité aux tendances passagères. Son approche unique de la peinture a contribué à définir le mouvement de l'expressionnisme abstrait, ses toiles audacieuses démontrant le pouvoir indicatif et suggestif des lignes et des gestes. Sur cette base, on a dit que Krasner peignait délibérément avec un "chaos contrôlé" qui signifiait sa grande détermination pour ses œuvres d'art.

Krasner se tenait à des normes très élevées et découpait et reconfigurait souvent ses anciennes œuvres après s'être inspirée d'Henri Matisse.

Bien qu'elle soit une artiste brillante, la carrière de Krasner est souvent éclipsée par son rôle d'épouse de Jackson Pollock. Son mariage tumultueux avec Pollock s'est terminé après la mort de ce dernier, et Krasner a surmonté son chagrin dans une série de toiles aux couleurs vives. Ses œuvres n'ayant été véritablement découvertes par des historiens de l'art féministes que dans les années 1970, il ne reste qu'un petit corpus de ses œuvres antérieures, car elle a réutilisé la majorité de ses toiles initiales tout en peaufinant son style.

Le peintre expressionniste abstrait américain Franz Kline était réputé pour ses grandes peintures en noir et blanc qui utilisaient des symboles abstraits. Peignant avec une confiance absolue, Kline se distinguait grandement de ses contemporains car ses techniques étaient capables de capturer avec précision l'esprit avec lequel il incarnait le mouvement de l'expressionnisme abstrait.

Kline a commencé sa carrière en tant qu'artiste réaliste après avoir reçu une formation académique stricte, mais son style a lentement évolué vers son approche abstraite caractéristique après sa rencontre avec un autre artiste, Willem de Kooning.

Célèbre pour ses œuvres abstraites en noir et blanc, les peintures de Kline étaient créées à l'aide de gros pinceaux et de peinture domestique ordinaire. Il se déplaçait sur ses immenses toiles avec des mouvements si vifs que ses compositions dégageaient une énergie particulière. Les lignes et les formes que Kline peignait étaient considérées comme n'ayant aucun lien avec une quelconque entité rationnelle, elles existaient plutôt dans leur propre réalité. La majorité de ses œuvres ont été comparées à un certain nombre de choses, comme le paysage urbain de New York, sa maison d'enfance en Pennsylvanie et la calligraphie japonaise.

Kline a été loué comme un excellent peintre d'action, car ses méthodes incarnaient la technique. Quelle que soit la fougue ou l'insistance de ses tableaux, Kline réfléchissait toujours à la manière dont ils devaient être réalisés. L'inclusion de formes et de symboles aussi puissants donnait l'impression d'une grande rapidité, Kline souhaitant que ses œuvres traduisent l'expérience de la structure et du mouvement aux spectateurs. Bien que ses tableaux ne se distinguent absolument pas de leurs sujets originaux, ils dégagent toujours une grande énergie qui les lie à leurs titres.

Considérées comme une quintessence de l'art, les peintures expressionnistes abstraites de Kline ont contribué à développer l'abstraction gestuelle comme technique au sein du mouvement.

Ses œuvres existaient principalement comme un moyen de dialoguer avec les spectateurs, car il était réticent à leur attribuer une signification concrète. Au fil de sa carrière, Kline a atteint une immense notoriété, et son approche peu commune de l'expressionnisme abstrait a influencé les débuts du minimalisme pour de nombreux artistes.

En ce qui concerne l'expressionnisme abstrait, le peintre américain Jackson Pollock est probablement le plus connu, ses œuvres résumant l'ensemble du mouvement. Considéré comme l'un des plus grands peintres américains, Pollock était la personnification de l'expressionnisme abstrait dans les années 1940 et 1950.

D'une créativité inégalée à l'époque, Pollock a créé la fameuse technique de peinture au goutte-à-goutte qui lui a valu une renommée mondiale immédiate.

Lorsque Pollock est apparu avec ses peintures au goutte-à-goutte à la fin des années 1940, les communautés artistiques n'avaient jamais rien vu de tel auparavant. Ses œuvres à grande échelle étaient réalisées en plaçant ses toiles sur le sol et en y versant de la peinture de manière désordonnée. Pollock brossait ensuite impulsivement la peinture, l'étalait et l'éclaboussait autour de la toile et dispersait sur les œuvres divers objets de son atelier tels que des clous, des allumettes et des mégots de cigarettes. Ces pièces vives exprimaient le bouleversement émotionnel intérieur par le biais du geste, de la ligne, de la texture et de la composition.

En créant ses peintures au goutte-à-goutte, Pollock laissait souvent sur ses toiles la preuve d'un environnement désorganisé. Ses peintures hypnotiques étaient capables de capturer la vitalité de la vie elle-même, ainsi que son propre esprit anxieux. Ces peintures évoquent également l'enchevêtrement de l'homme dans son propre corps, son esprit et le monde nouvellement modernisé et terrifiant.

Ainsi, la peinture au goutte-à-goutte de Pollock est devenue l'une des œuvres les plus originales du XXe siècle.

La combinaison de hasard et de contrôle exposée dans les œuvres de Pollock est devenue fondamentale dans le développement de l'expressionnisme abstrait. Bien qu'il n'ait pas été le premier à utiliser ces méthodes, Pollock est reconnu comme l'artiste qui a le mieux intégré ces techniques de goutte à goutte dans ses œuvres. Vivant très reclus, Pollock a souffert d'alcoolisme, ce qui a conduit à sa mort prématurée à l'âge de 44 ans après un accident de voiture en état d'ivresse. Aujourd'hui, sa façon unique de définir l'espace influence encore de nombreuses générations d'artistes.

Bien qu'elle soit surtout connue comme l'épouse de l'éminent artiste Willem de Kooning, Elaine de Kooning était elle-même un peintre expressionniste abstrait important. Si le début de sa carrière a été éclipsé par celle de son mari, l'envergure artistique d'Elaine de Kooning, son immense compréhension des médias et son impact sur les autres artistes étaient indiscutables. C'est ce qui lui vaut d'être admise au sein du très fermé Eight Street Club de New York, bien qu'elle soit une femme.

Avant d'entamer sa carrière d'artiste, de Kooning a été totalement immergée dans le mouvement, puisqu'elle était associée à la rédaction d'une société d'art.

C'est ainsi qu'elle a été l'une des premières personnes à écrire des articles sur les œuvres d'autres artistes de l'expressionnisme abstrait, tels que Mark Rothko et Franz Kline, et à en faire la critique. En plus d'être artiste, de Kooning a travaillé comme critique d'art et enseignante, son poste le plus prestigieux étant à la National Academy of Design à partir de 1985.

Prenant à cœur les pensées et les concepts de l'Action Painting, de Kooning a peint dans un style incroyablement gestuel. Cela lui permettait de s'immerger totalement dans ses sujets et de s'y identifier, malgré leur nature abstraite. Bien que la majorité de ses peintures soient fortement abstraites, elles sont basées sur la réalité de la vie qu'elle a vécue et expérimentée. Bien que ses peintures aient attiré l'attention des critiques, de Kooning signait souvent ses œuvres de ses initiales afin que les spectateurs ne les jugent pas en fonction du fait qu'elle était une femme.

Connue comme une artiste fougueuse et généreuse, les œuvres de Kooning ont élargi le champ de ce que l'on voyait normalement dans les peintures expressionnistes abstraites grâce à ses représentations délicates et dynamiques. Outre ses œuvres abstraites, de Kooning a également peint de nombreux portraits d'amis, d'athlètes et même un portrait du président John F. Kennedy.

En mélangeant des éléments d'abstraction et de représentation dans la majorité de ses œuvres, de Kooning a été considéré comme un artiste, un critique et un enseignant prolifique à l'apogée de l'expressionnisme abstrait.

Une autre femme peintre expressionniste abstraite emblématique est l'Américaine Joan Mitchell, qui fait partie de la deuxième génération d'artistes et de graveurs de l'expressionnisme abstrait. Inspirée par les œuvres gestuelles de Franz Kline et Willem de Kooning, Mitchell a développé une technique extrêmement abstraite et richement colorée.

En combinant des éléments de composition structurée et d'improvisation chaotique, Mitchell crée des œuvres qui la distinguent de ses homologues masculins.

Faisant partie de la nouvelle vague d'artistes expressionnistes qui ont adouci le mouvement et lui ont donné une direction lyrique et émotionnelle, les peintures de Mitchell étaient connues pour leurs cadences de composition, leurs colorations audacieuses et leurs coups de pinceau gestuels. Ses tableaux, souvent de grande taille et composés de plusieurs panneaux, s'inspirent de la nature, des paysages et de la poésie. La taille de ses œuvres était choisie dans le but de transmettre les émotions associées à ces sujets, car l'intention de Mitchell n'était jamais de créer une image immédiatement identifiable.

En tant que peintre d'action, les coups de pinceau gestuels de Mitchell incarnent avec précision le mouvement américain, bien qu'elle ait vécu et travaillé la majeure partie de sa vie en France. Rejetant l'approche "all-over" qui encourageait un sentiment de platitude, Mitchell a adopté un sens plus traditionnel des figures et des fondations dans ses œuvres, celles-ci étant souvent représentées de manière à évoquer des impressions de paysages. Grâce à ses œuvres uniques, le succès précoce de Mitchell dans les années 1950 a été vraiment frappant, car d'autres artistes féminines tout aussi importantes n'ont pas été reconnues.

La dureté de la personnalité de Mitchell est considérée comme un facteur important dans la compréhension de ses peintures, qui sont souvent lues comme des expressions de fureur et de violence. Se qualifiant souvent de "dernière expressionniste abstraite", Mitchell a continué à produire des peintures abstraites jusqu'à sa mort. Tout au long de sa carrière, elle a reçu d'immenses éloges de la critique et une reconnaissance publique, ce qui lui a valu d'être exposée aux côtés des grands Willem de Kooning et Jackson Pollock lors du monumental Ninth Street Show de 1951.



Le mouvement de l'expressionnisme abstrait s'est avéré être une ère d'art incroyablement influente, puisque nombre des plus grands artistes ayant jamais existé sont issus de cette période. Comme le mouvement était si étendu, il existe d'innombrables autres artistes emblématiques qui ont également expérimenté des techniques abstraites et qui méritent donc de figurer sur cette liste. Si vous avez aimé découvrir ces différents artistes de l'expressionnisme abstrait, nous vous encourageons à poursuivre votre lecture sur d'autres peintres !