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Peintures cubistes célèbres - Une liste des meilleurs artistes et œuvres d'art cubistes

Peintures cubistes célèbres - Une liste des meilleurs artistes et œuvres d'art cubistes

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Le mouvement cubiste, qui a débuté au début du XXe siècle, s'est distingué par l'intense fragmentation, l'abstraction et la palette de couleurs atténuées que l'on pouvait observer dans les œuvres réalisées. Considéré comme l'un des styles les plus influents de ce siècle, le cubisme a eu un impact majeur sur les artistes de cette époque, ce qui a conduit à la production de nombreuses œuvres d'art remarquables. Malgré son succès, le cubisme a été un mouvement relativement éphémère, conduisant plus tard à l'émergence du futurisme, du dadaïsme, du constructivisme et du suprématisme.

Qu'est-ce que le mouvement artistique cubiste ?
S'étendant de 1907 à 1914, le cubisme s'est développé à Paris au début du 20e siècle comme un mouvement radical qui s'est détaché des traditions bien établies régissant l'art contemporain. Initié par les célèbres artistes Pablo Picasso et Georges Braque, le cubisme s'est développé en réaction au tableau choquant de Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, peint en 1907. Picasso et Braque se livrent alors à une expérimentation artistique rapide, ce dernier présentant fermement le mouvement au public lors d'une exposition personnelle en 1908.

Le mouvement a finalement reçu son nom emblématique du critique d'art Louis Vauxcelles qui, après avoir vu les œuvres exposées par Braque en 1908, les a décrites comme réduisant tous les éléments à de simples contours et cubes. L'art cubiste célèbre a mis en évidence la nature bidimensionnelle de la toile, par opposition à la création d'une impression de profondeur, qui était l'objectif premier des artistes.

Ce résultat a été obtenu en utilisant les aspects de la perspective et du ton de manière complètement différente, ainsi qu'en créant des plans distincts pour montrer différents points de vue en même temps.

Considéré comme une nouvelle façon révolutionnaire de représenter la réalité, les objets et les personnes sont généralement représentés sous de nombreux angles différents, au point d'obtenir une vue kaléidoscopique. C'est ainsi que le mouvement a été considéré comme un mouvement d'avant-garde, les artistes remettant en cause de manière affirmée les conceptions fondamentales occidentales de la représentation graphique. Les peintures créées ont contribué à ouvrir le chapitre le plus novateur de l'histoire de l'art de l'époque, les œuvres du cubisme étant à l'origine d'un véritable éveil culturel.

Picasso et Braque, en particulier, ont estimé que les normes artistiques usées avaient fait leur temps et qu'un mouvement entièrement nouveau et novateur était nécessaire. L'impact du cubisme a été considérable, ce style géométrique étant divisé en deux phases distinctes, le cubisme analytique et le cubisme synthétique.

Ainsi, bien qu'il s'agisse d'un mouvement de courte durée, le cubisme s'est avéré très important en raison de ses diverses ramifications, les artistes ayant manifesté un grand intérêt pour ce style artistique avancé.





Aspects clés du cubisme
En se concentrant sur l'aspect de la fragmentation, les artistes cubistes ont examiné, brisé et réassemblé des objets et des figures dans des formes nouvelles et abstraites. Au lieu de représenter le sujet d'un seul point de vue, ce qui était la norme dans l'art traditionnel, les peintures cubistes font appel à de multiples points de vue afin de représenter le sujet dans un contexte plus large. En présentant plusieurs points de vue en même temps, les artistes laissaient entrevoir une possible nature tridimensionnelle de leurs œuvres tout en montrant la planéité bidimensionnelle de la toile.

Au fur et à mesure que les artistes ont développé leur propre terminologie de cônes, de cubes, de sphères et de cylindres, leurs peintures ont abandonné l'élément de perspective qui était auparavant utilisé pour définir l'espace pictural. En plus de rejeter la perspective, les artistes cubistes ont représenté et manipulé la lumière et les ombres de diverses manières afin de décomposer efficacement les objets en plusieurs plans plats.

Dans les peintures cubistes, aucune scène réaliste n'est représentée, les artistes ayant choisi d'explorer l'espace dans lequel se trouvent les personnages et les objets.

Un autre aspect important du cubisme est l'accent mis sur l'architecture, la structure et la forme. Ces deux éléments étaient cruciaux dans les peintures cubistes, car une approche très analytique et géométrique était adoptée pour représenter les sujets dans ces œuvres. Plutôt que d'être formés pour s'intégrer dans un espace illusoire, les personnages et les objets étaient représentés comme des compositions dynamiques et vivantes composées de volumes et de plans. Cela permet à l'arrière-plan et au premier plan des peintures cubistes de fusionner, ce qui était considéré comme très futuriste à l'époque.

Le cubisme remettant directement en question la représentation de l'espace de la Renaissance, de nombreux artistes ont expérimenté l'idée de non-représentation dans les peintures produites. Cela a même conduit les artistes à incorporer des éléments de collage et de sculpture dans leurs peintures, comme l'ont fait notamment Pablo Picasso et Georges Braque. Picasso a utilisé la sculpture dans sa Maquette pour guitare (1912), tandis que Braque est considéré comme ayant réalisé le tout premier collage de papier dans son Compotier et verre (1912).





Nos 10 peintures cubistes les plus célèbres
Bien qu'il n'ait duré que sept ans, le cubisme s'est avéré être un mouvement incroyablement influent, comme en témoignent les peintures produites pendant son apogée. Si de nombreuses œuvres ont été réalisées, une poignée d'entre elles ont réussi à s'imposer comme des peintures cubistes véritablement emblématiques. Souvent produites par le même artiste, ces peintures ont été créées par plusieurs peintres qui sont devenus les principaux pionniers du mouvement.

Ci-dessous, nous allons passer en revue notre liste des 10 œuvres d'art cubistes les plus célèbres qui existent.



Les Demoiselles d'Avignon - Pablo Picasso
Parmi toutes les peintures que Pablo Picasso a réalisées au cours de sa carrière, Les Demoiselles d'Avignon est une œuvre emblématique. Peinte en 1907, au moment où le mouvement cubiste commençait, cette toile a choqué le public et les amis proches de Picasso en raison de son contenu inhabituel et de ses expérimentations formelles. Avec son sujet composé de femmes nues stylisées et apparemment abstraites, Picasso a démontré son intérêt pour la distorsion et la grande influence de l'art africain sur sa technique de peinture.

Ce qui a stupéfié le public dans cette peinture n'est pas la nudité qui y est montrée, mais le fait que Picasso ait choisi de représenter ces femmes comme des prostituées dans des poses sexuelles agressives. C'était une idée nouvelle à l'époque, car les sujets de cette nature n'étaient généralement pas représentés dans la société artistique traditionnelle. La sensualité flagrante des Demoiselles d'Avignon est encore soulignée par les visages masqués des femmes, ce qui implique que leur sexualité est incroyablement primitive en plus d'être hostile.

Des caractéristiques distinctes du cubisme ont été vues à travers les éléments inhabituels et les contrastes aigus créés par les corps, qui ont tous ajouté à sa valeur de choc.

Picasso a abandonné le concept de profondeur dans ce tableau, car il a présenté une image drastiquement aplatie qui a été brisée en fragments géométriques constituant les corps des femmes. En abandonnant toutes les formes acceptées régissant l'art traditionnel, Picasso a été le premier à utiliser des formes géométriques inhabituelles pour représenter la forme humaine, faisant des Demoiselles d'Avignon l'exemple le plus célèbre du cubisme.

Une œuvre importante dans la fondation du cubisme est Maisons à l'Estaque, peinte par Georges Braque en 1908. Les œuvres produites par Braque entre 1908 et 1912 ressemblent tellement à celles de Picasso que leurs peintures cubistes sont souvent indiscernables. Les Maisons de l'Estaque ont inspiré le nom du mouvement, puisque le critique d'art Louis Vauxcelles a déclaré que Braque avait réduit tous les éléments de ce tableau à de simples "cubes", ce qui a été connu plus tard sous le nom de cubisme.

Dans ce tableau, Braque a démontré une influence notable de Picasso par sa réduction extrême des formes et l'utilisation de formes géométriques pour définir les objets.

Peignant simplement l'extérieur de maisons et le paysage environnant, Braque a fait se chevaucher l'objet et l'arrière-plan au point que les deux aspects occupaient entièrement le premier plan de la toile. En raison de l'espacement plat et horizontal, aucune ligne d'horizon ou point de fuite n'est visible dans Maisons à l'Estaque, ce qui renforce encore le caractère bidimensionnel de l'œuvre.

De plus, l'ombrage utilisé par Braque était extrêmement peu traditionnel, car il ne faisait aucun effort pour ajouter de la profondeur et de la perspective aux objets. En considérant cette célèbre œuvre d'art cubiste, la décision de Braque de diviser l'imagerie en parties disséquées devient plus claire, la palette de couleurs subtiles et terreuses séparant davantage les différents éléments de son œuvre. Bien que la question de savoir si les Maisons de l'Estaque peuvent être considérées comme le premier paysage cubiste fasse l'objet d'un débat, les éléments de ce tableau ont fini par former la base du style cubiste.

Jean Metzinger est connu pour avoir attiré l'attention du public sur le cubisme à l'époque du mouvement, ses peintures étant plus proches de l'avant-garde du style. Son tableau de 1911, intitulé Tea Time, est l'une de ses œuvres les plus connues du mouvement, puisqu'il sera plus tard surnommé "La Joconde du cubisme". Représentant une femme assise tenant une cuillère à café suspendue entre sa tasse et sa bouche, Metzinger a utilisé diverses techniques cubistes pour créer une représentation entièrement fragmentée d'une figure.

Ce qui fait de Tea Time l'une des peintures cubistes les plus intéressantes, c'est qu'alors que d'autres artistes travaillaient à la dématérialisation des figures, Metzinger s'est engagé à atteindre une certaine forme de précision et de distinction dans cette peinture. Malgré l'utilisation d'éclats et de plans irréguliers pour représenter une femme, le sujet de L'heure du thé est immédiatement reconnaissable au premier coup d'œil, malgré son environnement géométrique.

L'aspect le plus discuté de cette peinture est le split focus utilisé par Metzinger pour représenter la tasse de thé et le visage de la femme.

Abandonnant le point de vue unique qui était populaire à la Renaissance, la tasse à thé est vue de profil et de haut, afin de démontrer les nouvelles techniques du cubisme. Malgré ces différentes perspectives, Metzinger est parvenu à un niveau de réalisme étonnant, bien que l'œuvre soit composée de formes et d'angles anormaux, les couleurs plus douces utilisées mettant davantage l'accent sur la figure féminine nue qui sirote le thé.

Un autre tableau cubiste important de Braque est son Homme à la guitare, peint en 1911. Considérée comme son œuvre la plus influente, elle fait partie de la période du cubisme analytique, car Braque a remis en question le concept d'espace illusionniste dans cette œuvre. Pour créer cette œuvre, Braque a fait apparaître des clous et des cordes sur une toile pour représenter la silhouette d'un homme occupé à jouer de la guitare. Cependant, le résultat de la technique de Braque était une représentation presque indéchiffrable d'un homme, car l'attention de l'œuvre se concentrait sur les cubes déchiquetés et entrecroisés.

Considéré par la majorité des critiques et des spectateurs comme étant à peine reconnaissable, l'Homme à la guitare est plutôt apprécié pour les éléments spatiaux qu'il permet de voir. Pour cette raison, le tableau est considéré comme un chef-d'œuvre qui a la capacité de jouer sur l'esprit humain de la même manière qu'un musicien gratterait une guitare. Dans cette œuvre, Braque a contesté l'idée bien ancrée selon laquelle l'art devait s'en tenir à certaines formes, l'Homme à la guitare mettant délibérément les spectateurs au défi de donner un sens aux angles, aux nuances et aux petits détails vaguement représentés.

En regardant cette œuvre, beaucoup ont déclaré qu'elle semblait être en perpétuel mouvement.

Comme il s'agit d'une peinture très chargée, chaque aspect exigeait une grande attention pour être correctement inspecté, afin que le sens de l'œuvre devienne plus clair. En ignorant l'utilisation conventionnelle de la perspective, Braque a pu mettre les spectateurs au défi d'essayer de comprendre une peinture qui avait été décomposée en ses éléments géométriques les plus élémentaires.

L'un des autres tableaux cubistes populaires créés par Picasso entre 1911 et 1912 est Ma Jolie, qui se traduit par "ma jolie fille" en anglais. Inspiré par un spectacle musical du même nom, Picasso a surnommé sa maîtresse, Marcelle Humbert, Ma Jolie et l'a représentée dans ce tableau. Construisant vaguement sa silhouette dans cette œuvre en utilisant les plans changeants caractéristiques rendus célèbres par le cubisme analytique, Picasso a créé un portrait qui ne ressemble pas du tout à une personne.

Dans cette œuvre, Picasso s'est appuyé sur des formes géométriques et superposées pour créer une représentation extrêmement fragmentée d'une personne, avec le contour lâche des cordes d'une guitare au milieu de la composition. S'orientant vers l'abstraction, Picasso a limité sa palette de couleurs dans Ma Jolie afin de créer l'impression d'une sculpture en bas-relief, encore accentuée par les tons clairs et foncés des cubes.

Les formes angulaires et leurs couleurs ternes semblent exprimer un sens plus profond, car la figure centrale disparaît presque dans les profondeurs de l'œuvre.

S'appuyant sur ses précédentes peintures cubistes, Picasso a démontré une tendance plus flagrante vers la fragmentation et l'abstraction à travers les couleurs sourdes qui sont juxtaposées aux formes apparemment affirmées. Ainsi, bien qu'il s'agisse d'un portrait, Ma Jolie représente l'évolution de Picasso vers un contexte plus non-représentatif, car aucune image discernable ne peut être faite à travers le réseau de cubes et de lignes angulaires.

Le dernier tableau de notre liste de Pablo Picasso est sa Nature morte avec cannage de chaise, réalisée en 1912. Considérée comme l'une des œuvres les plus facilement reconnaissables du mouvement cubiste, cette œuvre est célèbre pour être considérée comme le tout premier collage de l'art moderne. Dans cette œuvre, Picasso s'est efforcé de réintroduire la couleur dans son art et a expérimenté de multiples perspectives. En fixant plusieurs objets sur sa toile, Picasso a incorporé une intention ludique mais claire à cette œuvre d'art, puisqu'elle a été conçue pour ressembler à une chaise.

En regardant la Nature morte avec cannage de chaise, l'image d'une table de café vient à l'esprit. Des objets tels que des morceaux de fruits, des verres à vin et des couteaux sont visibles de différents points de vue dans le coin supérieur droit de l'œuvre, et ont été représentés par Picasso à l'aide de peinture et de collage. Alors que le cannage de la chaise que l'on voit en bas a été réalisé à partir d'un morceau de toile cirée imprimée et non d'un véritable morceau de cannage, la corde entourant la toile était réelle.

L'utilisation d'un objet trouvé avait pour but de suggérer aux spectateurs la bordure sculptée d'une table de café.

Seul mot imprimé dans Still Life with Chair Caning, "JOU" est le point central de l'œuvre. Son inclusion a été pensée pour épeler les trois premières lettres du mot français pour les journaux, comme Picasso a tenté de faire référence à l'acte de lecture qui a été généralement fait dans les cafés parisiens. Première œuvre d'art à incorporer des éléments collés dans une œuvre de grand art, Nature morte au cannage de chaise fait référence à la situation politique instable et précaire de l'Europe de l'époque, ainsi qu'aux propres penchants révolutionnaires de Picasso.

L'un des autres artistes cubistes bien connus est Roger de La Fresnaye, qui a peint l'emblématique Conquête de l'air en 1913. Considérée comme l'une des peintures cubistes les plus mémorables qui existent, cette œuvre s'est avérée incroyablement populaire parmi les artistes français de l'époque.

En effet, les peintures vives et optimistes de La Fresnaye ont contribué à populariser les portraits et les peintures cubistes avant le début de la Seconde Guerre mondiale.

Dans La conquête de l'air, La Fresnaye se représente avec son frère, Henri, assis à une table à l'extérieur. Au loin, dans le coin supérieur gauche, on peut voir une montgolfière jaune. On pense qu'il s'agit de la coupe Gordon Bennet, la plus ancienne course de ballons au monde à l'époque. En 1912, un Français a remporté la course, ce qui explique l'inclusion du drapeau français, légèrement fragmenté mais festif, sur le côté droit de la toile. En utilisant des blocs brisés pour composer le drapeau, La Fresnaye a ajouté l'élément de mouvement au matériau, car le drapeau semble souffler doucement dans le vent.

Montrant des influences du cubisme traditionnel et de l'orphisme, développé par son collègue Robert Delaunay, La Fresnaye a représenté les figures de son œuvre en utilisant des formes géométriques brillantes et colorées. La disposition des formes au milieu de la toile donne une impression de cercle, ce qui se prête bien aux caractéristiques de l'orphisme.

Cette peinture joue sur la croyance que chaque élément naturel adhère à une vague perfection géométrique, car chaque aspect de cette peinture est représenté par des qualités pointues et triangulaires.

Une autre œuvre cubiste célèbre exceptionnellement colorée est Prismes électriques, peinte par Sonia Delaunay en 1914. Avec son mari, le célèbre artiste Robert Delaunay, elle a développé un style d'art totalement non-objectif qui s'est finalement transformé en un mélange de post-impressionnisme et de fauvisme. Les explorations innovantes de Delaunay avec des couleurs vibrantes ont été pleinement réalisées dans Prismes électriques, qui est un exemple méticuleux de la façon dont elle a pu combiner son style caractéristique et coloré avec les idéaux du cubisme.

Considéré comme une grande célébration de la couleur, Prismes électriques se concentre sur les deux grands cercles qui se chevauchent. Ceux-ci ont été essentiellement créés par des courbes de couleurs primaires et secondaires placées les unes à côté des autres, tandis que le reste de la toile était recouvert d'une variété d'autres couleurs et formes. Des formes abstraites telles que des rectangles, des arcs et des ovales sont assemblées pour former un mélange de tons, chaque forme fragmentée ayant la connotation d'être cousue ensemble, comme une tapisserie.

Dans Prismes électriques, Delaunay a démontré sa fascination pour les formes géométriques et la perspective aplatie. Toutefois, cette œuvre cubiste met également en évidence son intérêt abstrait pour la couleur et le concept, car ses blocs de peinture brillants suggèrent qu'une éventuelle quatrième dimension est visible plus on regarde l'œuvre.

Delaunay, dont on dit qu'elle est représentative du mouvement dynamique de l'électricité, a été inspiré pour capturer l'éclat saisissant de la lumière après avoir vu les nouveaux tours électriques le long du boulevard Saint-Michel à Paris.



Un artiste dont les peintures cubistes sont souvent considérées comme les plus proches de celles de Picasso et Braque est Juan Gris, qui a peint la célèbre Nature morte devant une fenêtre ouverte, rue Ravignan en 1915. Peignant avec des couleurs vibrantes et compatibles dans des combinaisons contrastées, cette œuvre combine l'intérêt de Gris pour les vues intérieures et extérieures sur la même toile. En mélangeant des scènes d'intérieur et d'extérieur, Nature morte devant une fenêtre ouverte, rue Ravignan est un excellent exemple d'œuvre d'art cubiste grâce aux techniques utilisées.

Selon le titre de l'œuvre, elle présentait des objets traditionnels associés à la nature morte, tels qu'un bol de fruits, une bouteille et un verre, ainsi qu'un livre et un journal. Représentés par la partie la plus colorée de la toile, ces objets étaient soigneusement disposés sur une table près d'une fenêtre de balcon. De plus, ce fragment du tableau semblait éclairé par le clair de lune venant de l'extérieur, ce qui était sous-entendu par les carrés bleutés représentant une scène extérieure.

Si le sujet de Nature morte devant une fenêtre ouverte, rue Ravignan pouvait être commun et sans surprise, sa disposition abstraite était incroyablement novatrice. Gris était plus habile que n'importe quel autre artiste cubiste de l'époque, car sa grille structurée de plans superposés créait un équilibre et un contrepoids délicats entre les différentes zones de la toile.

Le changement sans effort entre la lumière et l'obscurité, le positif et le négatif, ainsi que le monochrome et la couleur, l'œuvre entière de Gris était considérée avec une sorte de précision classique.

Le dernier tableau cubiste célèbre que nous avons inclus dans notre liste est Trois femmes, peint par Fernand Léger en 1921. Réalisée quelque temps après la fin du mouvement cubiste, cette œuvre offre une image plus actuelle d'un sujet traditionnel de l'histoire de l'art, à savoir le nu féminin allongé. Démontrant les influences du cubisme et du futurisme dans cette peinture, Trois femmes a fourni un vocabulaire moderne pour accompagner la forme du nu.

S'inspirant des aspects cubistes, Léger a représenté trois personnages buvant du thé ou du café et se prélassant dans un appartement très moderne en utilisant des formes géométriques solides. Cependant, les couleurs immaculées utilisées dans les formes se prêtent au cubisme analytique, car elles ne se superposent pas au premier plan mais contribuent plutôt à la création d'une sorte de tridimensionnalité. De ce fait, les corps des femmes, les meubles sur lesquels elles sont assises, ainsi que les espaces entre eux, apparaissent incroyablement bien définis et faciles à distinguer.

Bien que le nu soit un sujet courant dans la majeure partie de l'histoire de l'art, les figures de Léger sont plus polies et raffinées que celles des autres portraits cubistes. Ces figures apparemment élégantes témoignent d'un retour à l'ordre et à la normalité, thème omniprésent dans l'art français après l'agitation de la Seconde Guerre mondiale. Avec une précision comparable à celle d'une machine, Léger présentait des femmes simplifiées, arrondies et complètement disloquées de la réalité, ce qui symbolisait alors le monde moderne.



Le cubisme s'est avéré être l'un des mouvements artistiques les plus prolifiques du XXe siècle, Picasso et Braque travaillant ensemble pour établir et diffuser les idéaux du style. Par conséquent, de nombreuses œuvres d'art sont considérées comme d'excellents exemples de peintures cubistes. Notre liste ci-dessus reprend les peintures les plus connues de l'époque. Si vous avez apprécié la lecture de ces œuvres, nous vous encourageons à explorer d'autres artistes cubistes et leurs œuvres emblématiques, car il existe de nombreux portraits et peintures cubistes remarquables.