Signification des couleurs dans l'art

Signification des couleurs dans l'art:

L'art a souvent un sens caché lorsqu'il s'agit des couleurs utilisées dans les peintures, qui peuvent être utilisées comme un outil puissant pour invoquer des émotions chez le spectateur. Une fois que vous aurez compris les principes de l'utilisation des couleurs dans vos peintures, vous pourrez les utiliser pour enchanter vos spectateurs.

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Des recherches ont montré que les couleurs qui nous entourent ont une influence directe sur la façon dont nous nous sentons et peuvent donc nous aider à nous détendre. Les artistes utilisent souvent les couleurs pour envoyer un message subliminal.

Avant de nous plonger dans la signification de chacune des couleurs, révisons brièvement nos connaissances des couleurs primaires et secondaires acquises à l'école primaire. Le rouge, le jaune et le bleu sont considérés comme les couleurs primaires. Les couleurs secondaires sont celles que l'on obtient en combinant deux des couleurs primaires : en mélangeant les couleurs rouge et jaune, on obtient la couleur orange ; en mélangeant le jaune et le bleu, on obtient le vert ; en mélangeant le rouge et le bleu, on obtient le violet. Vous obtiendrez des couleurs tertiaires en mélangeant les couleurs secondaires. Si vous voulez assombrir une couleur, vous pouvez le faire en y ajoutant un peu de noir. Si vous voulez une teinte plus claire, vous pouvez l'obtenir en y mélangeant un peu de blanc.

I) Signification du rouge dans l'art:

Le rouge est considéré comme la couleur de l'affirmation, de la romance, de la force, de l'excitation, de la vitalité, de l'ambition, de l'impulsion et des prouesses physiques. C'est une couleur qui peut créer un beau contraste avec tous les types de peau et leur donner un aspect flatteur. Les roses pâles se marient bien avec le vert et créent un look paisible. Le rouge peut également signifier le danger ou la menace et est utilisé symboliquement pour les camions de pompiers, les panneaux d'arrêt et les feux de signalisation.

II) Signification du orange dans l'art:

L'orange est la nuance entre le rouge et le jaune. Il est flamboyant, vif et joyeux. Il est synonyme de jeunesse, d'intrépidité, de spontanéité, de dynamisme et d'affirmation de soi. Cette couleur stimule le cerveau et favorise l'activité mentale. L'orange foncé peut signifier la tromperie et la méfiance tandis qu'un orange plus proche du rouge peut correspondre à l'agressivité, la domination et la soif d'action.

III) Signification du Jaune dans l'art:

Le jaune est souvent associé à la lumière du soleil. Cette couleur crée un sentiment d'espoir, de bonheur tout en dénotant également la sagesse. Elle évoque un sentiment d'optimisme et de bien-être. Ce n'est pas seulement une couleur rayonnante, mais elle donne aussi l'impression que tout va bien dans le monde, ce qui peut être rafraîchissant et paisible.

Le tableau ci-dessus a été soigneusement peint pour donner un sentiment de calme et d'harmonie. Cette peinture a utilisé des jaunes et des verts, avec un soupçon de couleurs complémentaires d'une belle manière, pour refléter un sentiment serein.

IV) Signification du vert dans l'art:

Le vert est la couleur associée à l'harmonie, la sécurité et l'équilibre. Il crée un sentiment de paix, de douceur et de modestie, en particulier la nuance vert pâle. Le vert symbolise également l'espoir. Parfois, un mélange jaune-vert est utilisé pour indiquer la maladie, la discorde ou la jalousie.

V) Signification du bleu dans l'art:

Le bleu est la couleur du ciel et de son reflet sur les surfaces d'eau. Ainsi, cette couleur est souvent utilisée pour montrer une sorte d'expansivité, semblable à celle des cieux et des océans. Le bleu est également considéré comme une couleur à connotation formelle. Le bleu n'est pas seulement considéré comme une couleur masculine, mais il est aussi, et c'est intéressant, associé à une ambiance douce, apaisante et compatissante, représentant ainsi un personnage sage et stable. Le bleu est également souvent associé au sentiment de mélancolie.

VI) Signification du violet dans l'art:

Né du mélange du bleu et du rouge, le violet est une couleur royale considérée comme associée à la dignité et donc à utiliser avec discrétion. Les tons pâles du violet sont reposants et sereins, mais les tons plus foncés peuvent rendre la concentration plus difficile. La lavande est une nuance plus claire du violet qui représente les choses raffinées de la vie, à savoir la créativité, l'esprit et la civilisation. D'un autre côté, les violets peuvent aussi être fatigants pour les yeux. La tristesse et la morosité peuvent également être dépeintes en utilisant cette couleur.

VII) Signification du marron dans l'art:

Le marron est la couleur du bois vivant et de la terre. Calme et apaisant à regarder, le brun est extraordinairement reposant à regarder. C'est une couleur qui symbolise la constance, la fiabilité, la nature conservatrice des choses et qui est à la fois froide et chaude. Le brun a également tendance à évoquer la nostalgie. En utilisant la combinaison de bruns et de couleurs sourdes, le "tonalisme" est souvent utilisé pour peindre un paysage riche, terreux et lunatique.

VIII) Signification du gris dans l'art:

Le gris est considéré comme la couleur du compromis et de la prudence. Le gris donne également un sentiment de paix à l'observateur.

IX) Signification du blanc dans l'art:

Le blanc symbolise la sécurité, la propreté et la pureté. Il émane de l'innocence, de la jeunesse et de la perfection. Il signifie également simplicité et fraîcheur. En général, le blanc doit être utilisé avec parcimonie dans un tableau avec les autres couleurs pour s'assurer qu'il ne paraisse pas sans vie et crayeux.

L'intensité et la profondeur de cette peinture ont été intentionnellement créées en utilisant des blancs et des noirs, de manière stratégique. La nature opposée des couleurs utilisées a un message caché et crée un sentiment d'agitation chez le spectateur.

X) Signification du Noir dans l'art:

Le noir est souvent utilisé pour symboliser les mystères et les secrets. Mais le noir peut aussi donner un sentiment morbide, il faut donc l'utiliser avec précaution. Dans la plupart des cultures occidentales, le noir symbolise le deuil. Cependant, le noir peut aussi évoquer une personne digne avec un soupçon de sophistication.

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Signification des peintures monochromes:

Les peintures monochromes, créées par l'application d'une seule couleur sur toute une toile, demandent beaucoup d'efforts et de temps, mais le résultat final est souvent déroutant pour le visiteur moyen d'un musée. Tous ces carrés blancs et ces toiles noires peuvent être difficiles à comprendre et beaucoup de gens ont du mal à trouver leur véritable signification, se demandant souvent : Pourquoi est-ce de l'art ?

Bien que les peintures monochromes semblent souvent être quelque chose que même un enfant de cinq ans pourrait faire, un examen plus approfondi de l'histoire, du concept et des processus artistiques derrière la création d'un monochrome, révèle ce qui rend les monochromes magnétiquement attrayants pour les artistes et les amateurs d'art du monde entier.

I) L'origine des tableaux monochromes:

Historiquement, le tout début de la peinture monochrome remonte à l'œuvre de 1982 de l'écrivain français Paul Bilhaud, intitulée Nègres se battant dans une cave la nuit. Alphonse Allais s'est ensuite approprié cette œuvre et a élargi le concept en ajoutant sept autres tableaux monochromes aux titres humoristiques tels que Première communion de jeunes filles anémiques dans la neige ou Cardinaux apoplectiques récoltant des tomates sur les rives de la mer Rouge. Mais ce qui n'était au départ qu'une plaisanterie entre deux personnalités littéraires françaises s'est transformé en un mouvement artistique complet dans les années qui ont suivi. Inspiré par les écrivains français, le père du suprématisme a créé son premier tableau monochrome, Carré noir, afin de "libérer l'art du poids mort du monde réel".

Lorsque Malevitch a peint son célèbre Carré noir, il a changé à jamais l'idée que l'art devait représenter la réalité. En poussant l'art abstrait jusqu'à ses limites, il a créé une nouvelle narration visuelle où "la couleur et la texture sont des fins en soi" tandis que le sujet devient superflu. La valeur du Carré noir de Malevitch réside davantage dans sa nouvelle idée révolutionnaire que dans les compétences ou l'esthétique de l'artiste, un concept qui influencera grandement les artistes minimalistes et conceptuels dans les années à venir.

II) La peinture monochrome exploration de "la couleur":

Les peintures monochromes, comme aucune autre, rendent très visible le matériau de fabrication d'une peinture, la peinture elle-même. En l'absence de tout autre élément sur la toile, les spectateurs n'ont d'autre choix que de se concentrer sur la couleur elle-même. Les couleurs communiquent avec les spectateurs à un niveau très personnel, car elles évoquent des sentiments ou des souvenirs différents selon les personnes. La couleur blanche, comme celle de l'œuvre de Malevich intitulée Blanc sur blanc 1918, peut évoquer le sentiment de pureté et d'innocence.


Les peintures monochromes noires, quant à elles, ont la capacité unique d'évoquer la sensation d'être attiré dans un trou sombre. En regardant le Carré noir de Malevich ou la peinture abstraite entièrement noire d'Ad Reinhardt, de nombreux spectateurs ont l'impression de regarder dans le vide, tout en s'interrogeant sur leur propre existence et leur mortalité. Un autre célèbre peintre monochrome, Yves Klein, a travaillé en étroite collaboration avec un chimiste pour créer un liant capable d'absorber le pigment de couleur bleue sans le modifier. Il en est résulté un bleu outremer lumineux appelé International Klein Blue, une couleur que son inventeur a décrite comme une "pure essence de liberté". L'artiste s'est inspiré des religions orientales qui associent souvent la couleur bleue à l'infini, et a tenté de relier les gens aux quatre éléments de la nature (le vent, l'eau, la terre et le feu) et de leur donner le sentiment de ne faire qu'un avec l'univers. Et tandis que Malevitch considérait la couleur comme "l'essence de la peinture", Klein voyait dans les monochromes une "fenêtre ouverte sur la liberté", que l'on peut atteindre en se plongeant dans l'existence incommensurable de la couleur. 

III) Utilisation de la variation de texture:

Les peintres monochromes rendent souvent leurs œuvres plus passionnantes en expérimentant différentes textures et techniques créatives. Lucio Fontana découpait ses toiles monochromes pour en faire des sculptures tridimensionnelles tout en remettant en question la nature bidimensionnelle de la toile.

Dans les années 1980, l'artiste coréen Park Seo-Bo a commencé à tracer des lignes délicates sur ses toiles blanches monochromes, créant ainsi une sensation de texture et de rythme. La série intitulée Ecriture (qui signifie écriture en français) représente la tradition orientale de la calligraphie, mais aussi le voyage spirituel vers la purification de soi. Et tandis que les pièces de Park Seo-Bo sont texturées pour ressembler à la pureté et à la tranquillité des pratiques méditatives bouddhistes, l'artiste américaine Jessica Dickinson gouge et grave d'épaisses couches de peinture pour créer un sentiment de détresse et de décomposition. Et l'effort ne passe jamais inaperçu. Sans avoir le sujet à regarder, le spectateur passe plus de temps à penser aux heures interminables que les artistes ont passées à appliquer des couches et des couches de peinture, à gratter et à déchirer la peinture et à apprécier les différentes textures qui en résultent.

Au cours de son existence relativement brève, le monochrome a continuellement trouvé le moyen de se réinventer. Partant d'une idée radicale consistant à séparer la couleur du sujet et l'art de la réalité, les peintures monochromes se sont rapidement transformées en un outil de remise en question et de purification de soi.

Aujourd'hui, les peintures monochromes sont utilisées pour explorer et exprimer les idées d'identité et de race. Des artistes contemporains comme Ellen Gallagher et Alteronce Gumbys font référence aux idées de race et de genre dans leurs œuvres, explorant ce que signifie être une femme noire ou un homme noir dans la société actuelle. En raison de son pouvoir de transformer une seule couleur en un catalyseur de nombreuses significations et émotions, les peintures monochromes continueront d'être la source d'inspiration des artistes à venir. Nous espérons que ce blog vous aidera à comprendre le véritable sens de leurs œuvres.

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Signification du Noir et Blanc dans l'art:

Les couleurs ont leur propre symbolisme dans les cultures, les religions et l'histoire. Le noir et le blanc ne sont pas, à proprement parler, des couleurs. Cependant, le clair et le foncé jouent un rôle majeur dans l'art et le design et ont diverses significations symboliques. L'exposition "Black & White" présente des œuvres de la collection du musée qui montrent comment les artistes et les designers contemporains interprètent la signification symbolique du noir et du blanc. 

I) l'opposition entre le noir et le blanc:

Les couleurs sont des longueurs d'onde réfléchies par les objets pour l'œil humain. Le blanc est la lumière pure et le noir est l'absence de lumière. Dans de nombreuses cultures, ces deux non-couleurs sont associées à des rituels de vie et de mort. Pour des questions essentielles sur l'identité, les opposés noir et blanc sont souvent choisis. Dans l'installation "L'absence de l'artiste" (1970) de Marinus Boezem (1934), ainsi que dans l'œuvre de feu Anna Verwey-Verschuure (1935-1980), le noir et le blanc sont utilisés pour aborder des thèmes tels que l'identité, la présence et l'absence. L'artiste conceptuel argentin Jorge Baldessari (1931) fait un usage optimal du contraste entre le noir et le blanc dans son poème brodé "Tools" (1994-95), une conversation avec le créateur divin qui a expulsé l'humanité du paradis. Dans les œuvres plus abstraites de Lam de Wolf (*1949) et d'Elke Lutgerink (*1982), le noir et le blanc apparaissent à la fois comme leurs contraires et comme un continuum.

II) La signification du Blanc dans l'art:

Innocence, pureté, loyauté
Dans de nombreuses cultures, le blanc est considéré comme la couleur de l'innocence et de la virginité, de la pureté, de la loyauté et de la paix. En Occident, les vêtements et les décorations blancs symbolisent la joie qui entoure les naissances, les baptêmes et les mariages. Cette couleur est également associée aux femmes en tant que vierges, mères et soignantes. Ces thèmes trouvent une expression ludique et poétique dans les œuvres de Regula Maria Müller (*1961), Maria Roosen (*1957) et Hinke Schreuders (*1969) et les bijoux de Felieke van der Leest (*1968), mais ils examinent également les rôles féminins.

Dans de nombreuses cultures africaines et asiatiques, ainsi que dans l'Europe médiévale, le blanc est la couleur traditionnelle de la mort et du deuil. En Occident, par contre, le noir symbolise le deuil depuis la Renaissance. Miriam Verbeek (*1960) fait référence à ces différences interculturelles dans sa série de bijoux de deuil noirs et blancs. Le blanc représente la pureté, la sainteté et l'éternité dans des religions comme le christianisme et l'islam. La "Madone de l'humilité" (2003) de Christian Bastiaans (*1951), issue de la série Hurt Models, reflète la signification chrétienne du blanc comme expression de la pureté. Cependant, cette sculpture délicate faite de fil de fer et de gaze explore principalement la vulnérabilité de l'existence humaine.

L'artiste Alet Pilon (*1949) explore également les connotations symboliques du noir et du blanc dans ses œuvres et leur donne souvent une tournure surréaliste. Son œuvre blanche "ZT (ailes de cygne)" de 1995 est une pièce sculpturale qui peut être portée sur les épaules. Son œuvre évoque des associations avec la célèbre pièce de ballet du cygne mourant et le destin du héros mythique grec Icare. Les ailes d'Icare, faites de plumes de cygne et de cire, ont fondu lorsqu'il a volé trop près du soleil. Les ailes de cygne de Pilon semblent être un écho de ce rêve brisé.

III) Signification du Noir dans l'art:

La mort, le deuil et le caché

Le noir a différentes associations à travers les cultures et les religions : la mort, le mystère et le côté le plus sombre de la nature humaine, mais aussi le pouvoir, la noblesse et le prestige. Les œuvres de Bart Hess (*1984) et de l'artiste brésilien Célio Braga (*1963) représentent subtilement la face sensuelle cachée de l'être humain.

Pour son 'Stimulus : cord reflexes, Subject B.M.' (2016), Hess s'est inspiré de la tactilité de la peau, et plus précisément du mouvement des testicules.

Les objets de Braga de la série Negros sont des formes noires intenses qui font référence aux processus de mort, de deuil et de transformation. Une sculpture fascinante qui défie la représentation traditionnelle est la " Madone noire " (2018) de Pilon : une personne sombre et velue, mi-humaine, mi-animale, vêtue de gants et de bottes noirs résistants, avec un holster en bandoulière autour de la taille. Au même moment, elle tient tendrement son enfant dans ses bras, dans un symbole de soins maternels.