Top 10 des œuvres d'arts les plus chères du monde

Top 10 des œuvres d'arts les plus chères du monde:

Avez-vous déjà pensé à combien coûte le tableau le plus cher du monde ? Il existe de nombreuses peintures dont le prix est supérieur à 1 million de dollars, mais il y a des peintures qui sont vraiment très chères et dont le prix commence à 100 millions de dollars pour une seule peinture. Il est très difficile d'apprécier réellement ces chefs-d'œuvre de la peinture mondiale - presque tous les auteurs des tableaux les plus chers jamais vendus sont décédés et ne pourront plus jamais créer quelque chose de semblable. Et pour cette raison, le prix de ces peintures augmente simplement avec le temps.

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L'histoire de l'art est longue et extraordinaire, allant du classique au contemporain. Le monde entier connaît de nombreux grands maîtres tels que Van Gogh et Picasso. Les œuvres des plus grands continuent d'être mises aux enchères tous les deux ans et établissent à chaque fois de nouveaux records. La demande de propriété privée d'œuvres d'art classiques ne cessant de croître à pas de géant, les plus grands tableaux continuent d'atteindre des valeurs stratosphériques chaque fois qu'ils changent de mains. Voici les 10 tableaux les plus chers du monde.

10) Jackson Pollock, 1945, 140,000,000 dollars:

Un tableau de gouttes, le n° 5, 1948, a été vendu pour 140 millions de dollars par David Geffen à David Martinez en 2006. Cette œuvre d'art, réalisée sur un panneau de fibres de 2,5 m sur 2,5 m, incarne la technique unique du dripping utilisée par Pollock, l'un des plus grands peintres du style expressionniste abstrait. Il s'agit d'une œuvre typique de Pollock, qui n'est pas très accessible au grand public, mais qui a joué un rôle déterminant dans l'évolution de l'art moderne. Pollock a été surnommé "Jack the Dripper" en raison de sa technique de peinture unique qui consistait, après avoir posé la toile sur le sol, à appliquer la peinture en la faisant dégouliner de bâtons, de seringues et de pinceaux durs.

9) MASTERPIECE, ROY LICHTENSTEIN 165,000,000 dollars:

Roy Lichtenstein est l'un des pionniers de la culture pop art qui a dégonflé l'image mystique et machiste de l'art américain pour produire quelque chose de plus réaliste et de plus accessible. Son œuvre la plus connue, Masterpiece (1962), présente certains éléments classiques du pop art, comme les points Ben-Day et les bulles de dialogue, dans un contexte de bande dessinée. Ce tableau faisait partie de la première exposition de Lichtenstein à la Ferus Gallery de Los Angeles, où figuraient d'autres œuvres telles que Drowning Girl et le Portrait de Madame Cézanne. Si certains critiques considèrent que le chef-d'œuvre n'est qu'une autre œuvre brillante et glamour, d'autres pensent qu'il a une signification plus profonde. Et c'est ce que nous allons examiner ici. Le chef-d'œuvre représente un homme (probablement l'artiste) et une femme blonde, regardant une toile dont le contenu n'est pas visible pour le spectateur. Une bulle de parole sortant de la bouche de la femme montre qu'elle fait l'éloge du "chef-d'œuvre" en question, le qualifiant même de quelque chose qui enthousiasmerait "tout New York". Cet homme-artiste Brad figure dans plusieurs autres œuvres de Lichtenstein (qui estime que ce nom est suffisamment cliché et héroïque pour être le parfait protagoniste du Pop Art). Masterpiece est considéré comme une blague pince-sans-rire qui reflète la carrière artistique de Lichtenstein. La manière stoïque et solennelle dont Brad accepte la femme blonde peut également être considérée comme un commentaire satirique sur le "jeune artiste sexy" qui est plus connu pour son apparence que pour son travail. 

8) NU COUCHE, AMEDEO MODIGLIANI 170,400,000 Dollars:

Nu Couché, alias le Nu rouge ou le Nu couché, est une peinture à l'huile sur toile réalisée en 1917 par le peintre italien Amedeo Modigliani. Souvent considéré comme l'opus magnum du peintre, le Nu Couché est une fusion sans faille de l'idéalisme classique et de la sensualité moderne. L'image de la femme nue allongée sur le canapé est d'un réalisme érotique, mais d'une beauté surréaliste, presque sublime, qui prend le spectateur au dépourvu. Il n'y a rien de grossier ou de vulgaire dans cette "colonne de tendresse" (la femme telle que décrite par Modigliani). Au contraire, elle apparaît comme une femme sensuelle, excitée, dans la force de l'âge, qui n'a pas peur de donner et d'exiger du plaisir physique. Le tableau, bien qu'inspiré des représentations de Vénus et d'autres figures féminines de la Renaissance italienne, a une touche de modernité. Contrairement aux représentations des œuvres d'art classiques, où la nudité n'est pas utilisée comme une métaphore ou une allégorie pour établir la pureté de la femme. Nu Couché met en évidence la nudité de la femme ; son corps entier est représenté de haut en bas et occupe toute la toile (seuls ses mains et ses pieds ne sont pas dans le cadre). L'étendue de la peau crémeuse qui brille sous la lumière douce contraste fortement avec le canapé cramoisi qui ajoute encore à l'attrait de la femme. Le Nu Couché ne glorifie ni ne déprécie le corps féminin - il le présente simplement tel qu'il est - pris dans les affres de la passion - provocant, audacieux et charnel. 

7) LES FEMMES D’ALGER, PICASSO, 179,400,000 Dollars:

En 2015, l'œuvre Les Femmes d'Alger Version O du maître a été vendue pour 179,4 millions de dollars US, établissant ainsi un record mondial de l'époque pour le tableau le plus cher jamais vendu aux enchères. Ce tableau est l'aboutissement d'une série de 15 œuvres sur les Femmes d'Alger achevées par Picasso, inspirées par le grand espagnol du XIXe siècle Eugène Delacroix. Cette œuvre illustre parfaitement la tendance de Picasso à produire des œuvres de style ancien, tout en restant complètement nouvelles dans leur approche et leur présentation. À mi-chemin entre le kitsch, le postmoderne et le classique, cette pièce est considérée comme le Picasso le plus important actuellement entre les mains d'un propriétaire privé. Cette toile brillante aux couleurs vibrantes a été créée par Picasso en 1955 comme l'œuvre finale d'une série de 15 variations. Cette série a également été conçue comme une élégie à l'ami et rival de Picasso, Matisse, décédé en 1954. Avec son jeu sur le cubisme et la réunion de toutes les passions de Picasso, cette œuvre est un véritable jalon dans le répertoire de Picasso. Elle a été présentée dans les rétrospectives de Picasso dans le monde entier. 

6) NO:6 (VIOLET, GREEN AND RED), MARK ROTHKO 186,000,000 dollars:

Mark Rothko, peintre américain d'origine russe, est un pionnier de l'expressionnisme abstrait. Le style de Rothko se caractérise par l'utilisation de grandes toiles et de bandes horizontales de couleurs vives. Violet Green Red porte un nom ambigu pour permettre au spectateur de se faire sa propre idée. Ici, Rothko utilise une palette spartiate avec les teintes les plus sombres en haut, symbolisant la dépression qui l'accablait. L'utilisation de couleurs vives dans un motif simple illustre le style caractéristique de Rothko, qui consiste à transmettre un message intime sans recourir à des sujets. Cette œuvre a été achetée pour 186 millions USD par l'homme d'affaires russe Dmitry Rybolovlev au marchand d'art suisse Yves Bouvier en 2014. Bien que l'achat se soit par la suite embourbé dans des litiges juridiques, cette pièce reste toujours l'une des œuvres d'art les plus chères au monde. 

5) NO. 17A, 1948, JACKSON POLLOCK 200,000,000 dollars:

L'expressionnisme abstrait est un mouvement artistique de l'après-guerre qui met l'accent sur le subconscient et la création spontanée. L'œuvre de Jackson Pollock appartient à cette école de peinture - sa technique de peinture au goutte à goutte trouve ses racines dans les travaux d'André Masson et de Max Ernst, etc. Cette œuvre abstraite a été créée en 1948 et a fait l'objet d'un article dans le magazine Life en 1947, qui a rendu la peinture célèbre. Réalisé sur une toile en carton avec de la peinture à l'huile, le numéro 17A ressemble à un mirage désordonné de motifs et de couleurs. Cependant, un regard plus attentif met en évidence plusieurs couches de la peinture que le spectateur n'avait pas remarquées au premier coup d'œil. Le nom Numéro 17A est assez formel et manque de créativité ou d'unicité. Pollock évite intentionnellement de nommer son œuvre comme quelque chose de fantaisiste, ce qui ne fait que mettre en lumière la nature radicalement unique de la peinture. Les motifs aléatoires ne semblent pas si vagues lorsqu'on les observe de près. En fait, la précision du mouvement et le contrôle artistique de Pollock sont perceptibles dans la façon dont la peinture aux gouttes d'huile est structurée. Le titre du tableau, Numéro 17A, contraste fortement avec son contenu. Si le nom est fade, les motifs décrits dans le tableau sont tout sauf ordinaires. Les critiques ont eu des réactions très mitigées à l'égard de la peinture ; elle a été accueillie avec beaucoup d'attention par le public et n'a donc pas été très appréciée dans le monde de l'art. Ce n'est que bien plus tard, en 2016, lorsque l'œuvre a été achetée par le milliardaire Kenneth C. Griffin, collectionneur d'art, pour environ 200 millions de dollars, que le numéro 17A est redevenu le quatrième tableau le plus cher jamais vendu dans l'histoire. 

4) NAFEA FAA IPOIPO (WHEN WILL YOU MARRY?), PAUL GAUGUIN 210,000,000 dollars:

Le tableau de 1892 de Paul Gaugin est actuellement le tableau le plus cher du monde. Son tableau représentant deux jeunes filles tahitiennes a battu le record du monde en février 2015 lorsqu'il a été acheté par les musées du Qatar à un collectionneur privé suisse, Rudolf Staechelin, pour la somme stupéfiante de 300 millions de dollars ! Il représente deux femmes dans un paysage naturel, l'une portant une robe indigène et l'autre une robe de missionnaire de style colonial, symbolisant la fusion des cultures polynésienne et européenne. Ce tableau a été achevé par Gauguin vers 43 ans, lorsqu'il s'était rendu à Tahiti pour fuir tout ce qui était conventionnel et artificiel en Europe. Ce tableau a été prêté au Musée des Beaux-Arts de Bâle pendant plus de 60 ans avant d'être retiré de l'exposition par le vendeur et vendu. En apparence peu impressionnante, cette œuvre illustre l'authenticité d'une culture enracinée dans une époque révolue.

3)THE CARD PLAYERS, PAUL CEZANNE 250,000,000 dollars:

Ce tableau détenait le record du tableau le plus cher du monde avant la vente de When Will You Marry en 2015. Les Joueurs de cartes avait été acheté par la famille royale qatarie au magnat grec de la navigation George Embiricos pour la somme faramineuse de 274 millions de dollars en 2011. Cette peinture est l'une de ces images classiques que vous ne manquerez pas de reconnaître. Elle figure depuis de nombreuses années dans les livres de salon, les magazines de luxe et les programmes d'histoire de l'art. Il s'agit de l'une des cinq œuvres peintes par Cézanne dans le cadre de sa série post-impressionniste réalisée entre le début et le milieu des années 1890. Cette image emblématique représente deux hommes au visage impassible assis à une petite table en bois et jouant aux cartes. Le style de peinture et l'utilisation des pastels sont classiques pour Cézanne, les expressions subtiles des visages illustrant parfaitement deux joueurs complètement immergés dans le jeu. Une bouteille de vin posée sur la table ajoute à l'impressionnant, mais subtil, détail. Vous serez peut-être intéressé de savoir que les deux modèles utilisés pour la peinture étaient le jardinier et le valet de ferme du domaine familial de Cézanne !

2) INTERCHANGE, WILLEM DE KOONING 300,000,000 dollars:

Interchange ou Interchanged est une peinture à l'huile sur toile du peintre américano-néerlandais William de Kooning, qui appartenait à l'école de l'expressionnisme abstrait. Ce tableau est le premier des paysages abstraits de Kooning, achevé en 1955, et a été influencé par le style artistique de Franz Kline. Kooning passe la majeure partie de sa carrière à étudier et retravailler les figures féminines abstraites. Ce n'est que plus tard qu'il s'écarte de la peinture de formes humaines et s'aventure à reproduire des images abstraites de son environnement dans le centre-ville de New York. L'échange a été créé à une époque où tant la sphère privée de l'artiste que la communauté artistique dans son ensemble subissaient un changement progressif mais massif. De Kooning est financièrement stable et a la possibilité de faire de nouveaux choix - tant sur le plan professionnel que personnel. Il s'éloigne ainsi de ses peintures sauvages et spontanées pour se tourner vers des pièces de paysage plus stables, sobres et apprivoisées. Comme toute œuvre d'art abstraite, même Interchange semble vague et absurde au premier coup d'œil. Une observation plus attentive révèle plusieurs couches dans la peinture. Elle symbolise la transition que subit la vie de Kooning à cette époque. Il a fallu plus de 11 ans pour que le changement se manifeste complètement sur le plan créatif ; l'Interchange n'était que le premier des nombreux portraits de paysages qui ont suivi. Le Kooning qui était connu pour attaquer violemment ses toiles et ses couleurs vibrantes s'est apprivoisé pour adopter un style plus doux mais intuitif. Ce changement esthétique et textural que Kooning a subi au milieu des années 1950 constitue également le fondement du surréalisme qui prendra d'assaut le XXIe siècle.

1) SALVATOR MUNDI, ATTRIBUTED TO LEONARDO DE VINCI Read 450,300,000 dollars:

Le Salvator Mundi ou Sauveur du monde aurait été peint par Léonard de Vinci (de nombreux critiques pensent le contraire). Le tableau présente Jésus-Christ vêtu d'habits de la Renaissance et donnant la bénédiction, la main droite levée avec deux doigts croisés et tenant une boule de cristal dans la main gauche. Le globe de verre dans sa main symbolise les sphères cristallines des cieux - le Christ est montré comme le sauveur du monde et le maître du cosmos. Léonard était un catholique romain, mais il s'écarte tout de même des images traditionnelles des globes en laiton/or avec un crucifix à la sphère de cristal. Certains prétendent qu'il s'agit d'une tentative consciente de sa part de relier le monde physique et le monde spirituel. Les amateurs d'art affirment qu'il existe 20 variantes différentes de l'œuvre d'art, la peinture originale étant perdue. L'une de ces copies a récemment été restaurée et redécouverte comme étant l'œuvre originale de De Vinci par de nombreux érudits. L'argument qu'ils présentent est que les anneaux de cheveux dorés, le magasin croisé en forme de nœud et les deux doigts levés pour bénir l'humanité sont tous des classiques de Vinci et ne se retrouvent pas dans les autres copies du Salvator Mundi. L'histoire du Salvator Mundi est tout à fait fascinante. Les propriétaires actuels du tableau l'ont acquis en très mauvais état : le panneau de bois était fendu en deux et la toile aurait été repeinte pour cacher le travail de réparation bâclé ! Cependant, tout bien considéré, le Salvatore Mundi est notamment la dernière œuvre de Léonard de Vinci et est donc très apprécié dans la communauté artistique.